El Centre d’Estudis Contestans va presentar el passat vint de gener el número 32 de la seua revista Alberri la qual inclou el treball de Martínez El archivo musical de la Parroquia de la Asunción de Santa María de Cocentaina. Es tracta d’una descripció dels fons de l’arxiu desprès d’haver inventariat les prop de mil cent obres conservades a la parroquial
Jaume Jordi Ferrando. La ciència avança perquè n’hi ha gent que senta les bases per poder avançar, és allò que s’hi coneix com investigació bàsica, la qual no té una aplicació concreta ni presenta cap propòsit immediat sinó que pretén incrementar el coneixement de la realitat. I és això exactament el que ha ocupat a Pablo Martínez els darrers dos anys, organitzar els materials musicals d’una parròquia valenciana per tal de mostrar allò conservat i així permetre en el futur que s’hi puguen desenvolupar recerques sobre música i músics i, en definitiva, es puga saber més de la història i la societat a la qual eixa música servia.
De moment, l’estudi ens revela que l’arxiu de la contestana parròquia de L’Assumpció conserva partitures de la segona meitat del segle XIX i la primera del XX, amb edicions espanyoles i europees d’autors d’eixa època i algunes reedicions de música anterior. Els manuscrits són però la part més original del fons, on s’hi poden trobar arranjaments per a grups de banda i orquestra sorgides de la mà d’autors locals, a més de molta producció pròpia. És un conjunt significatiu perquè exemplifica com s’interpretaven obres universals adaptant-les a les formacions a l’abast, al temps que també ofereix informació sobre les pròpies formacions musicals.
Pel que fa a l’obra original, Martínez relaciona manuscrits de Manuel Ferrando González (Cocentaina, 1841-Ontinyent, 1908), Rafael Pascual Pascual (Alcoi, 1845 – Cocentaina, 1917), Fra Anselmo Martí Richart (Cocentaina, 1863 – 1952), Mn. José María Reig Briva (Cocentaina, 1863 – 1933), José María Ferrando Reig (Cocentaina, 1878 – Teulada, 1910), Álvaro Cortés Cardona (Cocentaina, 1907 – 1992) i Justo Sansalvador Cortés (Cocentaina, 1900 – Algeciras, 1980).
Però no tot el que s’hi conserva a Santa Maria de Cocentaina és música religiosa; el fons es completa amb una col·lecció de peces per orquestrina amb pasdobles, xotis, valsos i altres ballables que Martínez data al voltant dels primers vint anys del passat segle XX. Finalment cal dir que l’ensenyament està també representat amb mètodes i obres de caràcter pedagògic, singularment amb la col·lecció de qui fora organista de la parròquia i primer director de la Unió Musical Contestana: Enrique Pérez Margarit.
Pablo Martínez completa amb dades biogràfiques i fotografies la seua col·laboració en Alberri 32, un article recomanable a qualsevol interessat en la història de la música a les comarques. Tant de bó fora imitat en molts llocs per tal d’augmentar el coneixement del patrimoni musical valencià i poder posar-lo en valor. Un treball necessari, però impossible de dur endavant sense el compromís generós de persones com Pablo.
Després de l’article oferit per l’escriptora Núria Cadenes, gaudim de una visió més personal oferit per la nostra companya, la clarinetista Maria Cabanes sobre el concert Perquè volem!! Ovidi Simfònic a càrrec de La Primitiva i la Coral Sant Jordi el passat 6 de març a l’auditori de Barcelona
Moment del concert el passat 6 de març (Foto: Pepi Pascual)
I després de tocar per l’Ovidi al festival BarnaSants a Alcoi, quan vaig saber que finalment sí es faria el concert a Barcelona, no ho vaig pensar dues vegades, vol comprat i allí vos trobe, sí, a vosaltres, la meua gent de La Música Vella. Vaig arribar dijous a la nit i malgrat que fins dissabte la resta de la banda no arribaria amb l’autobús, vaig poder gaudir d’un divendres acollidor amb altres membres de la banda, que com jo, ja no viuen a Alcoi per diversos motius, i que com l’Ovidi, van provar un nou camí a Barna. Entre altres activitats, al vespre del divendres, vam decidir anar a L’Auditori per veure un concert, i la meua cara en veure l’escenari, on dos dies desprès nosaltres tocaríem, ho deia tot… Omplirem açò? Però heu vist que gran és? Ho farem bé?
Però la por es va esvair quan vaig veure baixar la resta de la banda el dissabte al matí de l’autobús. Clar que podem! Clar que ho farem bé! Perquè volem! I la benvinguda de la Coral Sant Jordi oferint-nos milers de plats casolans cuinats per ells mateix, va acabar d’omplir i escalfar els nostres cors per donar-ho tot en una vesprada completa de música a l’assaig general, a un assaig on vam incorporar alguns gestos per sentir-se com l’Ovidi, els músics, els cantants, els pallassos. Pèls de punta i moltes moltes ganes de concert!
La Coral Sant Jordi va donar la benvinguda a la banda als seus locals
I arriba el dia, L’Auditori està molt ple! S’apaguen les llums, Pere Camps presenta l’espectacle, i amb la mateixa complicitat que diu que la coral i la banda tenim, i que és la clau per enllestir aquest projecte, fa alçar a tot un públic per donar-li un record a l’Ovidi. No es deu sortir a l’escenari en un mòbil a la butxaca, però l’emoció em va fer agrair tindre’l, i traure’l, per fer-li una foto al nostre protagonista del concert, el públic.
I comencem, l’emoció és tan gran que no sé si em van els dits, música, palmes, cor, Tot explota pel cap o per la pota, Als companys, presentem a l’Ovidi amb un vídeo, La samarreta, La fera ferotge, L’Escola de Ribera, l’Ovidi ens canta El meu poble Alcoi, amb els llums apagats gaudim de la veu de l’Ovidi i les imatges d’Alcoi, nostàlgia de no viure ja allí, s’obrin els llums a l’escenari per continuar amb el concert, i veig, que no sóc l’única emocionada, que hi ha companys, que tenen fins i tot llàgrimes als ulls, i ve l’Homenatge a Teresa, emocionada també amb els solistes, Encara nois, encara, Una nit a l’òpera -vull girar-me i veure al cor!- contradiccions al meu cap, -vull gaudir també del concert com a públic, vull cantar i tinc el clarinet a la boca!-, Va com va, un altre vídeo d’Ovidi que ens fa riure una estona més amb ell, Perquè vull!
Pere Camps, director de Barnasants, presenta el concert (Foto: Maria Cabanes ‘in situ’)
El públic es posa en peu, aplaudeix sense descans, Àngel Lluís dóna les gràcies, crida a Lluís Vila per agrair també al cor, se’n va, el públic no para, hem parlat de fer un bis, i ací el teniu per tots vosaltres de nou, La fera ferotge i el nostre divertiment fent participar ara també a un públic entregat. Tornen a posar-se en peu -no paren d’aplaudir!-, veig que no m’equivoque quan pensava que m’hauria agradat estar al públic, i els regalem un altre bis, se’l mereixen tots! Com diu el nostre director, no hi ha tantes cançons de l’Ovidi que es puguen instrumentar, qui sap si més tard ho farem…
És bonic sentir-te acollit. Un gaudeix quan està de visita a un lloc nou, però el màxim plaer, i la màxima felicitat es dóna, siga el lloc on siga, quan et fan sentir com a casa. És un sentiment que he desenvolupat arran de viatjar i viure lluny de la gent que estimes. Supose que així és com se sentia l’Ovidi a Barcelona, i així és com ens han fet sentir la Coral Sant Jordi de Barcelona durant la nostra breu estada amb uns braços oberts com el barranc del Cint, i tot un públic entregat que va decidir compartir amb nosaltres la cloenda del festival BarnaSants, amb el concert dedicat a l’Ovidi Montllor, Perquè Volem!. (El material fotogràfic ha estat cedit per la pròpia Maria Cabanes)
Si l’any passat, va ser l’alcoià Jordi Tormo el que ens va escriure sobre el concert, ara li toca el torn a l’escriptora catalana Núria Cadenes parlar-nos sobre el concert Perquè volem!!!- Ovidi Simfònic que La Primitiva d’Alcoi i la Coral Sant Jordi de Barcelona, amb els seus directors Àngel Lluís Ferrando i Lluís Vila Casañas respectivament, ens van oferir el passat diumenge 6 de març a l’auditori de Barcelona. Ella treballa de periodista i és coneguda per la seua biografia del cantautor L’Ovidi (2002, Ed. 3i4). Altres títols de la seua obra lliterària: Cartes de la presói Memòries de presó(dues obres al voltant del seu empresonament per motius polítics), El cel de les oques o El banquer. Recientment ha estat guardonada amb el premi Crims de Tinta per la seua novel.la negra Tota la veritat, que es presenta a Barcelona el proper 15 de març.
LES MOLLES VOLEN AL VENT
Núria Cadenes (Barcelona, 1970)
Amb banda! L’Ovidi amb banda!
I no pas amb “una banda”: amb la Primitiva d’Alcoi!
De vegades desitges l’impossible només per poder veure la cara i el gest i el tot de l’Ovidi Montllor sentint les seves cançons solemnement executades en aquest format esplèndid, grandiós i igualment popular.
No ho podrem saber, ni posarem ara en boca seva paraules que ens inventem. Sí que és possible, però, i lícit, imaginar-li els ulls brillants, el mig somriure, la timidesa característica, l’emoció com de dir que mireu com sonen les meues cançonetes ara que els han afegit el trombó i el contrabaix i el clarinet i el saxofon i tot.
I les veus.
Més que “veus” (tornem-hi!): les veus fetes cor.
Més que cor: la Coral Sant Jordi!
En aquesta bella trobada creativa del vent i el metall i les cordes vocals, hi ha la triangulació dels amors i les passions de l’Ovidi Montllor: Alcoi i Barcelona es donen la mà, com sempre han fet, per al millor homenatge possible, el que conjuga en cançó crònica i estimes i aspiracions. El seu català transparent d’Alcoi i cantat des de moltes goles en barceloní; les melodies que va trenar amb dedicació i amb aquella seva creativa necessitat de comunicar, d’explicar-se i d’explicar-nos, fetes ara material de banda que sona grandiós en un auditori i que potser ens acompanyarà també les festes en desfilar pels carrers; la sobrietat amb què pujava a l’escenari, de negre, seriós, ullant amb complicitat en Toti Soler, convertida ara en aquest espectacle que coordina els gestos de tants: vet aquí l’Ovidi Simfònic, que continua essent ell, que som nosaltres.
Sí: l’Ovidi Montllor va escriure algunes de les cançons més belles que s’han escrit mai. I ens les va oferir amb gest rotund i senzill alhora (aquella seva màgica combinació de fermesa i de tendresa, d’amor i de ferocitat: l’ovidiana mala llet que era, sempre, esperançada). I avui ens arriben d’aquesta bella manera. Immensa. I sona la banda, i la coral fa volar molles al vent, i aquell picar de mans solitari es multiplica: això és, precisament, l’Ovidi Montllor: braços lliures i boques i mans.
NÚRIA CADENES
(Les imatges que il.lustren el text són obra del fotògraf Juan Miguel Morales. Des d’aquí, liagraïmla seva autorització perpodercompartir el seu treballa la nostrapàgina)
PMB.Sens dubte, 2001 va ser un anyespecial per almestre.Alcoiesmenaval’oblitinstitucionalambuna sèried’homenatgesa la seva figuraa càrrecdetoteslesinstitucionsmusicalsalcoianes, rebentel 4 de marçd’aquest any laMedalla d’Ord’Alcoiperpart de l’Ajuntament. La Primitivadedicavael concert de Diumenge deRams(8 d’abril) a tota la sevaobrafestera,rebent tambéla Batutad’Orde la banda inomenat Director Honorífic. De marçd’aquest any,ésl’entrevista queararecuperem, efectuada per Ferrandoper a la revistade PacoGrau «Imatges».
Blanquer rep la Medalla d’Or de mans dels llavors alcalde Miguel Peralta el 4 de març de 2001
El pròxim 4 de març, Alcoi ret homenatge a un dels seus fills predilectes, referència indiscutible de la música del nostre país, una persona el perfil humà el qual ens agrada tant com la seua música: Amando Blanquer.
Aquest compositor va nàixer a Alcoi l’any 1935 i des de ben jove va tenir el desig i alhora la voluntat de ser músic. Segons ens diu ell mateix: «Vaig tenir la gran sort de trobar persones que em van oferir tot el seu afecte i em van ajudar molt…» en els primer anys de la seua formació, com ara Fernando de Mora -en aquell moment director de La Primitiva- o el mateix Julio Pastor, que va fer possible que Blanquer anara a València per a continuar allí els estudis superiors amb personalitats com Leopoldo Magenti o Manuel Palau. En aquest període trobem les primeres manifestacions de compositor format -que no les d’un jove compositor innat, ja manifestades en les primeres composicions festers i de cambra al si d’Apolo, -com ara la Suite Blanca, estrenada per l’Orquestra de València l’any 1956, la Sinfonietta (1958), o peces relacionades amb la festa de Moros i Cristians -sempre presents en el cor de Blanquer-, que posteriorment donaran origen a aportacions capitals per a la Festa, com ara Abencerrajes-Tarde de abril (1957), la primera marxa cristiana Aleluya (1958) o Salmo (1962).
Posteriorment, el compositor es trasllada a París per a aprofundir en el camp de la composició, l’anàlisi i la pedagogia, i s’acosta a les noves tècniques compositives. De tots els professors d’aquest període, la figura que més influirà en la seua visió de la música i en la seua tènica serà Olivier Messiaen, un dels vertaders pilars on descansa la creació musical del segle XX. D’aquest moment destaquen obres com Tres dances valencianes (1961) o el Concert per a fagot i orquestra de corda (1962). Uns anys més tard, Blanquer obté el Premi Roma que li permet conéixer a la capital italiana noves maneres de fer música amb Goffredo Petrassi i les seues classes a l’Acadèmia de Santa Cecilia.
Una vegada acabada la beca i ja a casa -estem a 1965-, Blanquer enceta la doble activitat que el caracteritzarà fins ara: la composició i la pedagogia. En aquest segon vessant de la seua personalitat musical trobem la tasca docent al Conservatori de València -on va obtenir per oposició la càtedra de contrapunt i composició, i del qual va ser director de 1971 a 1976- i la publicació d’un tractat vertaderament important: la Técnica del Contrapunto (1975). Pel que fa a la composició, a més dels seus nombrosos treballs corals i de cambra, es poden esmentar obres com la Sinfonia Muntanyenca (1965), o la pedra angular, el Concert per a banda (1971), compost per un Blanquer amb la ferma voluntat de «dignificar» aquesta formació tan estimada i tantes vegades desaprofitada. Aquesta obra va ser l’inici d’una sèrie de composicions originals per a aquesta formació que, fins a la més recent, Entornos (1999), no han deixat d’eixir de la mà del compositor.
Blanquer rodejat de Gregorio Casasempere, Enrique Rodes (llavors president d’Apolo) i Copérnico Pérez el Diumenge de Rams de 2001
Des d’aquell moment la producció de Blanquer no ha deixat de crèixer. Es tracta d’una producció molt extensa i variada (coral, cambra, música simfònica, banda, instruments solistes, concerts, una missa, una òpera…), com també n’és d’extens i variat el nombre de premis, nomenaments acadèmics, encàrrecs oficials, estrenes i enregistraments discogràfics. Aquest espai és molt poc per a poder-los ni tan sols enumerar. La darrera estrena ha estat fa només uns dies, ja que el passat dia 9 d’Octubre l’Orquestra i Cor de València, sota la direcció d’Enrique García Asensio, estrenava al Palau de la Música el salm De Profundis.
Un homenatge oportú per a gaudir una altra volta -o conéixer per primera vegada- la seua música de cambra, la de banda, la simfònica, etc. «…Els compositors estem pagats amb la interpretació de les nostres obres, aquest és el major premi…», segons ens diu el mateix compositor des de la seua modèstia i humilitat, un homenatge és un fet molt gran per a un currante de les corxeres. Estic ben segur que la majoria no pensa això, es més, pensem que aquest homenatge era necessari des de feia temps. Estem davant d’un home que ha fet i farà molt per la música al nostre país, que és un referent musical inqüestionable, i davant d’un alcoià que porta sempre, estiga on estiga, el seu poble al cor.
«Encara em sent molt jove, i això dels homenatges pareix que… em permet un acudit: que la medalla d’or siga molt gran i amb un cordó ben fort, per a poder-la empenyorar, perquè a vegades els músics passem moments de crisi…».
PMB.El compositor José María Valls Satorres nos facilita cuatro artículos propios publicados en el desaparecido periódico «Ciudad» sobre otras tantas obras sinfónicas de Blanquer: Invenciones para Orquesta, Tríptico Orquestal, Iridiscencias Sinfónicas y De Profundis. Con esta última, la Orquesta de RTVE le dispensó un homenaje póstumo a finales de 2005, tal como nos comenta el autor de La casa de las chirimías.
«Invenciones para Orquesta» (Ciudad, 30 de octubre de 1984)
J.M. Valls Satorres. La Orquesta Sinfónica de la RTVE bajo la dirección del maestro Enrique García Asensio, interpretó por primera vez en el Teatro Real de Madrid la composición de Invenciones para Orquesta de nuestro paisano Amando Blanquer. Obra compuesta para un gran contingente orquestal, incluída arpa, piano y una nutrida gama de elementos de percusión. Consta de cinco piezas: Canónica, Heráldica, Elegíaca, Jocosa y Festiva. Esta obra obtuvo en 1983 el Premio Joaquín Turina por el Ayuntamiento de Sevilla y está dedicada al maestro Enrique García Asensio. Así, relatado con palabras, pierde Invenciones para Orquesta su lucimiento sinfónico, hay que escucharla, ver, cómo todo el colorido de la banda sonora, entra en el abovedado horno orquestal de Blanquer. Su concepto armónico evidente, su construcción contrapuntística, su intervención rítmica y virtuosística son de un gran efectismo. La primera pieza, Canónica, nos da una serie de contestaciones, que nos recuerda los cánones tradicionales de escuela, pero con procedimientos nuevos, propios de nuestro tiempo. En Heráldica, después de la aparición del primer tema, metales, percusión, madera, cuerda, se reparten el tramado multicolor de esta segunda pieza, revelando la fuerte y original personalidad del autor. Elegíaca es la tercera pieza, cargada de un íntimo y cálido lirismo donde la cuerda crea una atmósfera apropiada y que va transmitiendo «in crescendo» al resto de la orquesta (durante su transcurso unas entradas respectivas de trompetas, timbales, trompas, etc. nos recuerdan por un momento la marcha cristiana Salmo).
Enrique García Asensio (Valencia, 1937) a quien Blanquer dedica su «Invenciones para Orquesta»
En la cuarta pieza, Jocosa, nos encontramos con un cierto aire de danza alegre y festiva, con su paisaje, color, ambiente y carácter, dentro de un denso espíritu de concepción, y por último, Festiva, discurre por cauces de gran fluidez y extraordinaria fuerza interna, con un planteamiento dinámico y rítmico, donde todos los instrumentos tienen asegurada su intervención, continúa «in crescendo» el complejo discurso de ideas, hasta un paroxismo final de gran efecto orquestal.
Blanquer comenta en un artículo anexo al de Valls Satorres: «Invenciones para orquesta» sigue su habitual línea musical, no es un punto y aparte en mi estilo y mi propia trayectoria. La pieza es una obra muy meditada con un trabajo técnico completo y realizada con la máxima seriedad posible». La dedica a García Asensio, «por su labor en pro de la música y por una deuda que muchos tenemos con él».
La pieza, «bastante divertida por el enorme campo interpretativo que le aporta a la orquesta», obtiene según el compositor alcoyano, «un resultado amable».
Tal como menciona más arriba Valls Satorres, la obra consta de cinco partes: Canónica, Heráldica, Elegíaca, Jocosa y Festiva. «El nombrar de esta forma a cada una de las partes es sobre todo el sentido simbólico que cada una puede tener, entresacado de lo más característico, lo que más sobresale de ellas. En Heráldica, por ejemplo el tipo temático es el recuerdo de cuando era pequeño y veía pasar a los Heraldos, en Elegíaca el motivo es más íntimo, más expresivo y, en Festiva, hay unas notas inspiradas en la música popular alcoyana».
Amando Blanquer no quiere valorar la aportación que haya podido obtener Invenciones para Orquesta dentro del panorama musical español actual. «Es muy difícil emitir un juicio. hay partituras que en su momento fueron supervaloradas y más tarde pasaron desapercibidas y viceversa. Está el caso de Bach quien fue redescubierto 150 años después. El entrar en valoraciones el propio compositor, creo que es secundario. El músico se debe dedicar a crear, componer música, yo debo de hacer la música que sea capaz, ser honesto y sincero conmigo mismo y continuar mi trayectoria».
«Tríptico Orquestal» (Ciudad, 11 de mayo de 1985)
Vicente Ros (Sueca, 1945) estrenó la obra original para órgano del «Tríptic Orquestal»
J.M. Valls Satorres. La Orquesta Municipal de Valencia dirigida por su titular Manuel Galduf dio un concierto el pasado 1 de mayo en el Teatro Real de Madrid, con motivo de la Muestra Musical de las Comunidades Autónomas, que organiza el Ministerio de Cultura a través de la Dirección General de Música y Teatro. En dicho concierto, se interpretó una obra de nuestro paisano Amando Blanquer, titulada Tríptico Orquestal. Compuesta en principio como una pieza para órgano, se estrenó en la Iglesia de San Antonio de Valencia en 1979 por el organista Vicente Ros, posteriormente transcrita para banda, fue estrenada por la Sociedad Musical de Algemesí en 1983, bajo la dirección del propio autor.
Una vez más, hay que descubrirse ante la evidente inspiración melódica, armónica, contrapuntística, rítmica y rico colorido orquestal que posee Blanquer, a la vez que se proclama la madurez de un estilo personal e inconfundible del compositor.
Del Tríptico Orquestal, escribe Hernández Guirado, director de la banda de Alzira, «es una verdadera excepción de las que Dios y la Naturaleza nos suelen regalar de tarde en tarde, como una justificación de la Creación.»
Esta obra en su versión orquestal, está destinada a una nutrida orquesta y consta de tres movimientos. Comienza con un Preludio en el que su carácter plenamente ornamental, se apoya en principios tradicionales de la música de los organistas del siglo XVII, discurriendo por cauces de gran fluidez. El segundo movimiento Coral es de una gran densidad, de extraordinaria fuerza interna, de melodía generosa, amplia, cálida, arropado siempre por la riqueza de un buen tramado orquestal. En el tercer movimiento, Tocata, nos presenta una escritura muy brillante, rítmica, audaz, y de forma libre, llena de aciertos, color y magníficamente instrumentada, terminando con una manifestación sonora de gran fuerza.
«Iridiscencias Sinfónicas» (Ciudad, 22 de Noviembre de 1997)
J.M. Valls Satorres. La Orquesta Sinfónica de RTVE, en el quinto programa de la temporada 97/98 ofreció con carácter de estreno Iridiscencias Sinfónicas, de Amando Blanquer. Esta obra fue compuesta entre septiembre y diciembre de 1985 por encargo de la Generalitat Valenciana para celebrar el Primer Centenario del Certamen Internacional de Bandas «Ciudad de Valencia» y estrenada en la Plaza de Toros de Valencia el 19 de julio de 1986 por la Real Harmonie de Thorn de Holanda. Desde el primer instante tuvo una buena aceptación, incluyéndola en sus repertorios agrupaciones tan acreditadas como la Banda Sinfónica Municipal de Madrid, de Barcelona, de Valencia y Primitiva de Llíria (esta banda la tiene grabada en CD junto con Semblances de la meua terra de Luis Blanes, entre otras). La versión de orquesta fue presentada en enero de 1996 en el Palau de la Música de la Orquesta de Valencia, bajo dirección de Enrique García Asensio.
«Iridiscencias sinfónicas» aparece grabada por La Primitiva de Llíria dirigida por Ramón Ramírez Beneyto en el CD «Portrait of Amando Blanquer»
Escribe Carlos José Costa en el programa de mano: «Esta obra fue concebida por Blanquer de modo que pudiera ser interpretada indistintamente por una banda sinfónica o por una orquesta sinfónica. No se trata de una transcripción de una versión respecto de la otra, sino de una concepción creativa así deseada y motivada por el carácter lúdico de los temas y su estructuración formal, en los que Blanquer insufla aires actualísimos, de gran calidad expresionista y excelentes recursos armónicos y contrapuntísticos.»
Iridiscencias Sinfónicas es producto de un dilatado proceso de meditación y guarda estrecha vinculación con la creación sinfónica del maestro. Compone con gran independencia, y resulta emocionante comprobar un dominio total de la forma, el uso gradual de los medios partiendo del sorprendente manejo de los colores (música para gran orquesta con tres flautas y flautín, dos oboes y corno inglés, dos clarinetes y clarinete bajo, dos fagotes, cuatro trompas, cuatro trompetas, tres trombones y tuba, cuerda al completo y un incremento colorista de percusión que necesita hasta siete percusionistas), y cómo éstos cristalizan en la inconfundible personalidad proada de la época de madurez del compositor.
Dividida esta obra en tres movimientos: Hoqueto, Intermedio y Ricercar, el autor aprovecha estilos y maneras compositivas pertenecientes a la música antigua que reciben originales e interesantes horizontes de expresión. El carácter del Hoqueto obedece a una mezcla de ritmos truncados que se suceden entre dos ideas sonoras. La siguiente pieza Intermedio es de índole exquisito y expresivo que no rehúsa a los ya clásicos racimos sonoros propios de la música contemporánea en la que alude al tempo de habanera, y al ampuloso ritmo de la marcha mora, ambos tan típicos de nuestra tierra. Ricercar, que significa «búsqueda» es la pieza con la que finaliza la obra, es de estilo contrapuntístico y se presenta bajo la forma de una unión de motivos brevemente desarrollados que hacen relación a la escritura de imitaciones.
«De Profundis» (Ciudad, 28 de Octubre de 2005)
J.M. Valls Satorres. El pasado jueves día 20, y el siguiente viernes 21 de octubre, en el Teatro Monumental de Madrid, la Orquesta y Coro de la Radio Televisión Española en su segundo concierto de la temporada 2005-06, bajo la dirección de su titular Adrian Leaper, ofreció el salmo para solistas, coro y orquesta De Profundis de Amando Blanquer.
Amando Blanquer había cumplido setenta años. Hacía muchos que era una figura significativa, reconocida y admirada. En vida del maestro, la Orquesta y Coro de RTVE había programado con sincera intención de homenaje, en su setenta cumpleaños, una obra que iba a ser interpretada por primera vez por esta formación sinfónica.
Programa en el que la Orquesta y Coros de RTVE homenajeó a Blanquer en octubre de 2005
Recuerdo muy bien los momentos en que el gerente de la orquesta Pedro Botías, me explicaba el contento de Blanquer al saber que el comité artístico había determinado programar esta obra para la temporada de conciertos 2005-06.
A Blanquer le apreciaban los profesores de la orquesta. Podría citar muchos días, sobre todo en los descansos de los ensayos, en los que se arrimaban los músicos a conversar con el maestro, y él, con gesto risueño y bondadoso les trasmitía sus impresiones del instante.
Ese jueves 21 por la mañana, como todos los jueves de la temporada, la orquesta realizó su ensayo general con asistencia de espectadores. Yo estaba allí, saludé a varios músicos conocidos, y como no podía ser de otra manera, afloraron los recuerdos, entonces recordé una frase que Blanquer había dicho muchas veces: “A los músicos hay que recordarlos interpretando su música”.
La riqueza del lenguaje de Blanquer, se basa en la compenetración de una intención compositiva, deseosa de inscribirse en la evolución del ropaje armónico-contrapuntístico del siglo XX, la magnitud del pensamiento tonal, con muy pensadas licencias a la disonancia, el interés por los instrumentos tradicionales, la importancia que otorgaba al componer en función del timbre y las posibilidades del instrumento o instrumentos para los que estaba orientada la obra.
Afirmaba Blanquer: “Mi música viene inspirada por el instrumento que la articula. La idea nace palabra y la palabra tiene timbre”, y Adrián Miró, su amigo y biógrafo dice: “Se puede considerar que Amando Blanquer está a medio camino entre la tradición y la vanguardia, cultivando lo que yo llamo “humanismo musical” pero sin renunciar a las más amplias conquistas del lenguaje sonoro”.
El salmo De Profundis fue creado entre 1996 y 1997, está basado principalmente en el Salmo nº 142 de David, e incluye también textos bíblicos de El Cristo de Velázquez de Miguel de Unamuno, poemas de Rainer María Rilke y Romano Guardini.
“Creo que he unido la tristeza y la espiritualidad del amor trascendente”, explicaba Blanquer en una entrevista.
El salmo se estrenaría el día 9 de febrero de 2001 en el Palau de la Música de Valencia en versión de Gloria Sánchez, Ignacio Giner, José Antonio López, el Coro de la Generalitat Valenciana y la Orquesta de Valencia, bajo la dirección de Enrique García Asensio. Fue compuesto por encargo de la Consellería de Cultura de la Generalitat Valenciana como homenaje póstumo a Vicente Vera, amigo del maestro.
El panorama de la obra es enorme, el salmo tiene una duración de poco más de quince minutos. Con relación al contenido musical, encontramos temas múltiples que se entretejen, desde un dominado lenguaje atonal, hasta la aleatoriedad más atrevida e interesantes efectos orquestales de copiosa complejidad. Los instrumento de viento denotan sus colores particulares, afanosas impresiones de tristeza y espiritualidad en la notable participación del trío de voces solistas, las partes del coro llegan a lo hondo, manifestando una gran diversidad de sentimientos, desde la latente soledad, hasta la delicadeza sublime.
La obra comienza calmada, seria, el clima conmovedor de la sección de cuerda en su parte noble, crea el momento adecuado de espiritualidad, siempre apoyado por efectos sombríos protagonizados por los instrumentos de metal en su registro más grave. Sobre este marco, aparece una breve idea melódica en la trompa, toca después el violonchelo un pasaje de intensa emotividad y en entradas sucesivas van presentando los diversos instrumentos de viento, sus pensamientos de profunda reflexión.
Toda esta parte, nos lleva a la aparición del coro, las voces se mueven con libertad, poco a poco van desgranando los textos del salmo, unas veces cantado otras en forma de plegaria, llegando a momentos extremos donde se produce un impresionante enjambre aleatorio entre el coro y la orquesta en pleno.
En el desarrollo las amplias intervenciones del trío de voces solistas, aparecen hermosas y expresivas y constituyen instantes de gran intensidad y lucimiento.
Vuelve a aparecer la calma, la música brota impregnada de una sensibilidad conmovedora, este efecto se ve incrementado a medida que avanza la obra.
Esta música plena de significado íntimo, de gran valor, finaliza extinguiéndose como un murmullo.
La interpretación del director Adrian Leaper del salmo “De Profundis”, fue extraordinaria, consiguiendo con claridad el carácter interpretativo que exige esta partitura y obteniendo un excelente equilibrio entre la orquesta y el coro que sonaron admirablemente.
La soprano nacida en Crevillente, Sandra Ferrández, el tenor de Molina del Segura, Eduardo Sandoval y el barítono Isidro Anaya, formaron un estimable trío en la interpretación de esta obra.
El escritor Adrián Miró (Alcoy, 1923-2011), licenciado en Filología Románica en Madrid, desarrolló su docencia en la Universidad de la Sorbona de París, como profesor en el Instituto de Música y Musicología. Escribió diversas biografías de alcoyanos ilustres como Joan Valls, Joan-Gil Albert y la de Amando Blanquer en dos partes Amando Blanquer, en su vida y en su música (1984 y 2001), del que reproducimos de su segunda parte, el capítulo dedicado a la única ópera en la obra del maestro alcoyano.
Escritor y músico, Adrián Miró, a la izquierda y Blanquer, a la derecha, en una cena en Apolo
Los años 1991 y 1992 significan un trabajo tenaz y concentrado en la elaboración de la ópera El triomf de Tirant que tenía que estrenarse el 7 de octubre de 1992. La idea de componer una ópera (1) fue una ilusión que siempre sustentó. Era la única faceta que se dejaba sentir como ausente en su multiforme música. Un primer intento -con un libreto de Rodolf Sirera sobre la caída del poder de los Borgia- espera todavía cristalizar. La elección de una ópera sobre el caballero Tirant lo Blanc se deriva, naturalmente de la cantata precedente sobre tal asunto. En realidad, la cantata era ya una composición muy cerca de la textura operística. Y, además, fue deseo expreso del Presidente de la Generalitat de que la convirtiese en ópera. Sería una manera de completar y dignificar musicalmente ese 500 aniversario de la célebre novela de Martorell.
Reflejo de la ocupación y preocupación de Blanquer es la correspondencia que me dirigió a mediados y finales de 1991. «Ayer, en la visita a ‘Música 92’, firmé el contrato de la ópera. Ya tengo incluso una parte del libreto. Cuando me entreguen el resto, que será este mismo mes, según me dijeron, haré una copia para que la conozcas y me des tu valiosisíma opinión» (Carta del 12 de junio),«… Estoy trabajando a todo pulmón en la ópera. Los hermanos Sirera me han hecho un libro muy apropiado para el teatro… Yo trabajo con mucha ilusión este tema, diariamente alrededor de doce horas, algún día más, ya que es lento y complicado dar vida a los personajes. hay que leer mucho los versos hasta encontrar el verdadero ritmo de la palabra y las correspondientes inflexiones musicales» (Carta del 11 de septiembre),«… Estoy a tope con la ópera. Ahora ya tengo terminada la versión de canto y piano, la de orquesta la estoy haciendo y, aunque no va mal, me faltan todavía 500 páginas de partitura grande, es decir, mucho tiempo, así es que si sabes pocas cosas de mí y por mí, no te preocupes que estoy en el cascarón, incubando a la criatura» (Carta del 9 de diciembre).
2º Cuadro, Flor de caballería
La ópera fue compuesta, en su mayor parte, en Valencia. Instaló un toldo en la terraza de su casa, al aire libre. Empezaba muy temprano, meditaba, escribía, corregía, oyendo a veces, como inquietante telón de fondo, el ronroneo de los aviones americanos que se dirigían a la «Guerra del Golfo», según me confesó el compositor. La completó en su retiro veraniego de Cullera. La idea que Blanquer tenía sobre la ópera en general, queda muy bien reflejada en una entrevista de su amigo Vicente Galbis López: «…La ópera comporta determinadas limitaciones técnicas, sobre todo en las partes vocales, que dificultan el equilibrio entre texto literario y musical; aun más cuando se trata de una ópera sin concesiones. Para un compositor, afrontar el problema de escribir una ópera a finales del siglo XX, con las experiencias y aportaciones de los grandes maestros de nuestro tiempo (Dallapiccola, Messiaen, Berio, etc.) es un reto considerable. En la ópera se concentran todas las formas musicales conocidas o por inventar, utiliza avanzados procedimientos escenográficos que crean una auténtica poética teatral. Podrían decirse que la ópera, tan llena de mitos y rutinas, se ha renovado más bien gracias al valor que se concede a los decorados, luminotecnia, vestuario, etc. que a la evolución del propio lenguaje musical… Por otra parte, la ópera ya no contiene los particularismos culturales o nacionalistas que tenía antes, es más universal, más de todos. La ópera ya no es un teatro para iniciados».
3º cuadro: Defensor de l’Església
El libreto de los hermanos Sirera -Josep Lluís y Rodolf- , a diferencia del texto utilizado para la cantata es una creación original. La cantata(2) se basaba en una adaptación, hecha por Josep Palacio, de la propia redacción medieval de Martorell. El libreto de los Sirera recrea el mundo ideológico de la novela, «haciendo una lectura respetuosa». No se conserva el léxico medieval, aunque sí se usa la métrica de aquella época en los pasajes en verso. Resulta una composición dramática muy atinada en el sentido de que se tiene que dar cabida, dentro de un único ensamblaje, a la profusión de episodios y hazañas del voluminoso libro «Tirant lo Blanc». Se imponía, pues, una selección. Esta selección viene definida por los tres grados que el caballero medieval tenía que acceder en ese «cursus honorum» que era la Caballería y que culminaba con la Fama, concepto casí mítico y místico. Estos tres grados eran: el renombre como caballero audaz, indómito e invencible (2º cuadro, «Flor de Caballería»), la lucha por la verdadera fe (3º cuadro, «Defensor de l’Església») y la fidelidad y amor a la Dama de sus pensamientos (4º cuadro, «Espill d’enamorats»), salpicado en esta ocasión de cierto erotismo desenfadado, muy de la Edad Media. Una sorprendente originalidad preside todo el entramado escénico. Y es que la obra empieza por el final. El primer cuadro, todo él de una tonalidad sombría en el verso y en la música, representa la muerte de Tirant. A partir de ahí se reconstruye todo el historial de su figura y sus hazañas.
La obra de los Sirera y Blanquer significa, además, una vuelta al «héroe», al personaje intrépido y legendario de la estirpe de los Sigfrido, los Radamés, los Igor… Al contrario, la gran ópera actual tiende, por lo general, a la exaltación del «antihéroe»: el «Wozzeck» de Berg es un pobre diablo, víctima de la sociedad, la «Lulú» del mismo compositor es una cortesana, devoradora de hombres, «El Libertino» de Stravinsky es un Don Juan de pacotilla, «Las endemoniadas de Loudun» de Penderecki son toda una pesadilla… La ópera que nos ocupa representa, tanto por su argumento como por la brillantez de su montaje, una bocanada de aire puro, de idealismo, de grandiosidad épica.
Por lo que respecta a la factura compositiva, la ópera de Blanquer se mantiene, por decirlo así, equidistante, en el justo y dorado medio, entre la «concepción humanística de la música» (expresión muy cara al maestro), evitando explosivos esnobismos, acrobacias tímbricas o bruscos saltos de registro y, por otra parte, dando rigor a la composición, enfrentándose con complejas y originales estructuras sonoras y empleando una técnica muy amplia, según el espíritu y marco de cada escena.
Vicente Ombuena (Valencia, 1960), protagonista absoluto de la ópera
Hacer hoy una ópera es algo muy distinto de lo que ocurría en el repertorio habitual. Ya no sirve la estructura compartimentada tan artificiosa. La voz queda integrada en un tejido sonoro, entrelazada con la orquesta, como un sutil encaje y con un gran respeto por el fraseo del texto. En El triomf de Tirant, la expresión, la acentuación de los valores expresivos, es lo más importante. Lo que da la tónica musical es el carácter de cada momento escénico. En las voces solistas emplea, por lo general, el «recitativo melódico», moviéndose siempre dentro de tesituras que no exijan del cantante un esfuerzo que dañaría a la inteligibilidad del texto. En los coros -que actúan como un personaje más- hay una mayor estructura melódica. Las escenas suntuosas y brillantes, con sus juegos de trompetería y percusión, nos acercan más a la ópera histórica tradicional. El «Te Deum» en la catedral está tratado con el más nítido espíritu gregoriano. En cambio, el lenguaje musical se vuelve desbordante en el preludio sinfónico al segundo acto, la «batalla naval», a base de atonalidades de rara potencia, e incluso hablaríamos de politonalidad. Es decir que hay, a través de toda la obra, una gran flexibilidad y vivacidad de lenguaje, elocuente muestra del enorme talento musical de Blanquer.
La creación de nuestro músico fue juzgada por la prensa muy positiva y relevante. «Como era de esperar en músico de tan sólida formación técnica -opina Alfredo Brotons en «Levante»- la caligrafía es siempre intachable, acompañada de una pertinencia artística admirable… Establece un hábil e inteligente compromiso entre un melodismo tradicional y aun ocasionalmente arcaizante, y una variedad de procedimientos compositivos propios de las más avanzadas corrientes musicales de nuestro siglo. Aquel cubre los momentos más líricos, por lo general confiados a las voces solistas o a los grupos concertantes; éstos, las situaciones en que la acción se acelera y los pasajes orquestales». En cuanto al conocido comentarista musical Eduardo López-Chávarri Andújar, emite en «Las Provincias» los siguientes juicios: «La nueva ópera tiene dignidad, prestancia… una obra de gran interés sinfónico y bella caligrafía vocal». Gonzalo Badenes, por su parte, escribe en «El País»: «En Blanquer son proverbiales el buen oficio musical y la declarada sinceridad estética… Hay un melodismo claro y amable, un colorido orquestal muy mediterráneo, con protagonismo manifiesto de los instrumentos de viento, una línea vocal declamatoria -que no excluye el aria, como tampoco el recitado-, una vistosa grandilocuencia entre lo festivo-popular y el estilo de la gran ópera meyerbeeriana, y un predominio prácticamente absoluto de la tonalidad, sólo desmentido ocasionalmente por breves inserciones atonales, e incluso aleatorias, que no vienen sino a afirmar aquella». En fin, en «Diario 16», Blas Cortés opina que: «La música de Amando Blanquer atiende al texto desde un lenguaje variado en el que predomina la escritura diatónica, comunicativa y fluidamente articulada, con una orquesta rica tímbricamente y, en ocasiones, demasiado densa».
La ópera de Blanquer -y a título de «presentación»- dio pie a una «mesa redonda» en la Universitat d’Estiu de Gandía el 9 de septiembre de ese 1992, con asistencia del crítico musical Francisco Bueno y del profesor universitario Albert Hauf. En esta ocasión nuestro compositor confesaba: «He utilizado las diversas tendencias estéticas que existen hoy para componer una partitura que, junto con la puesta en escena, sea inteligible para el espectador, pero sin hacer concesiones».
El estreno tuvo lugar -como ya hemos indicado- en el Teatro Principal de Valencia, en dos sesiones, el 7 y 9 de Octubre. De los intérpretes, la prensa subraya el éxito de Vicente Ombuena, «gran triunfador de la noche», conocido tenor que había colaborado con directores como Colin Davis o Giuseppe Sinopoli. También resultaron muy airosos los veteranos Vicente Sardinero o Joan Cabero. Los principales roles femeninos fueron confiados a María José Matos e Isabel Moner. Tanto la intervención de la Sinfónica de Valencia, bajo la batuta de Manuel Galduf, como la del Coro de Valencia, dirigido por Francisco Perales fueron objeto de elogiosos comentarios. El espectáculo visual, de alta calidad, «mágico y seductor», según Chávarri, fue obra de Pedro Moreno y Bruno Boyer.
ADRIÁN MIRÓ
(Capítulo IX «Amando Blanquer en su vida y en su música» (Segunda parte),
Editada por Caja de Ahorros de Alicante y Murcia, 2001)
(1)Al respecto, se encuentra el artículo de nuestro director Àngel Lluís Ferrando, publicado en el número 5 de la revista de Filología «Ítaca» sobre un proyecto de ópera «Jofré» que no llegó a fraguar con libreto de Joan Valls que data de 1965.
(2) La cantata a la que alude el texto es la compuesta en 1990 dedicada a Tirant lo Blanc para conmemorar el V Centenario de la primera edición del libro de Joanot Martorell, por encargo de Joan Lerma, presidente de la Generalitat de entonces. Se estrenó el 20 de noviembre de ese mismo año en el Palau de la Música con dirección de Manuel Galduf, interpretada por María Angeles Peters, Silvia Tro y Francisco Valls y siendo narrador Ovidi Montllor.
Este escrito fechado en 1973 del maestro Blanquer, que publicó la Revista de Fiestas de aquel año, constituye un homenaje a los grandes de la música alcoyana que, a pesar de sus influencias y simpatías por ciertos movimientos musicales, supieron alearlas al folklore y a las características de la música para fiestas de Moros y Cristianos de Alcoy. En los años en que Blanquer escribe este artículo, es nombrado un par de años antes director del Conservatorio de Valencia hasta 1976, estrenando allí su Divertimento giocoso para quinteto de viento en 1972. Un año después, compone y estrena Cuaderno de Monóvar (Homenaje a Azorín) para cuarteto de cuerda que estrena el Cuarteto Clásico de RTVE.
HOMENAJE
Nadie que conozca nuestras fiestas de moros y cristianos ignora la importancia que en ellas tiene la música: fiesta y música, música y fiesta, son dos cosas que se funden en un solo elemento hasta tal extremo que, la música, a través del tiempo y con la evolución lógica experimentada con las aportaciones de los compositores alcoyanos que hemos sentido la llamada de la «festa», ha llegado a constituir la base de los datos, determinando, inequívocamente, el carácter de todos y cada uno de ellos, así por ejemplo, tenemos música para la diana, para las entradas de cristianos, y porque no decirlo, para los actos religiosos. Mi marcha Alcoy llora, que se estrenó sin título, y un fatal accidente me movió a dedicarla a todos los que en él perdieron la vida, está inspirada en la singular Procesión General del día del Santo Patrono.
Todas estas músicas son diferentes entre sí. Hoy día, tal y como ha evolucionado la sensibilidad del «fester» y del pueblo alcoyano en relación con las fiestas, nadie aceptaría una marcha mora para la diana o un «pasodoble torero» para la entrada de moros. Y es que, con los años, nuestra música se ha definido por completo, llegando a representar lo mejor del espíritu y la idiosincrasia del pueblo alcoyano. No olvidemos, que juntamente con la pintura, constituye la constante más importante de nuestra historia artística.
Foto de José Crespo Colomer que ilustra el artículo de Blanquer en la Revista de Fiestas de 1973
Esta música «festera» no dudaría en calificarla de «racial» y creo que el término no es demasiado aventurado. Nuestro pueblo, me parece haberlo dicho en alguna otra ocasión, posee un sentimiento de la vida en común y de la responsabilidad social que ello entraña, poso frecuente y que le sitúa en cimas privilegiadas dentro del contexto político y social español. Qué duda cabe de ello es consecuencia de los siete siglos de industria que pesan en nuestro subconsciente. Por eso nuestras fiestas son, ante todo, comunicación entre los hombres, no al estilo alegre y desenfadado que toda fiesta entraña, sino con la responsabilidad de sentirse para sí y para los demás, elemento fundamental, inequívoco, que si bien lo temporal está supeditado a representar determinada actitud, en lo espiritual está encarnando ese sentimiento que tan profundamente arraigado está en el pueblo alcoyano. A través de estos desfiles marciales o nostálgicos, los hombres se comunican entre sí, no con la palabra, sino con el ritmo corporal, sentimiento y afectividad, como si de un solo hombre se tratara. No es casual la unión de hombro con hombro, como tampoco lo es el contacto entre mano en la sardana catalana. A través de esta unión, se transmite esa corriente de simpatía que caracteriza les «filaes». De ahí la importancia que tiene la calidad de las músicas que se interpretan en los actos oficiales.
Sé que este problema es difícil de comentar, porque ello supondría contratar buenas bandas y las «filaes» no siempre disponen de adecuado presupuesto, pero aún poseyéndolo, mucho me temo que estas agrupaciones aceptaran el durísimo «match» que supone el repetir doce, trece o más veces ininterrumpidamente, la misma pieza. La costumbre se hace ley y las bandas que, año tras año, amenizan los actos de las fiestas, además de conocer el «repertorio», saben incluso el lugar en que hay que empezar y hasta donde no deben cesar de tocar.
Funeral por las víctimas del accidente del autobús Alcoi-Valencia acaecido el 25 de Abril de 1955 a las que Amando Blanquer dedicó su «Alcoy llora»
Y puesto que, hoy por hoy, el aspecto muscial de la «festa» descansa, por lo general, en estas modestas agrupaciones bandísticas, bueno sería cuidar la calidad de las músicas que ejecutan. Si tenemos en consideración lo dicho sobre el carácter del pueblo alcoyano, veremos que las melodías de giro orientalizante, la fórmula rítmica a ultranza, o los pasodobles toreros, son disfraces que no concuerdan con nuestra peculiaridades. Y ejemplos en abono de nuestro criterio no faltan. Ahí están las magistrales piezas que nos legaron los Barrachina, Blanes, Cantó Francés, Carbonell García, Espí, Laporta Hellín, Pérez Monllor (Don Camilo), Seva, entre otros, en los cuales, al menos en las que tuve el placer de estudiar hace ya algunos años, no aparecía ningún ingrediente extraño a la música netamente alcoyana, es decir, tanto si los motivos de inspiración los cosechaban en el folklore musical alcoyano como Carbonell y Pérez Monllor (Don Evaristo); de la música marcial: Laporta Hellín, Pérez Monllor (Don Camilo), Seva; de la música con reminiscencias teatrales: Barrachina, Cantó, Espí; como de la música basada en determinados fundamentos estéticos (impresionismo) Blanes. En todos y cada uno de los casos, la música siempre parece un valor que supera en mucho las necesidades, a simple vista elementales, de marchas que llevan inherentes los actos de nuestras fiestas. Y ello es realmente emotivo y muy significativo, porque revela el enorme amor que nuestro desaparecidos compositores, sentían por las cosas de Alcoy. Por insignificantes que fuesen, su mano maestra, las dignificaba y elevaba a rangos artísticos envidiables.
Y es que el instinto de nuestros compositores presentían, con inequívoca exactitud, las grandes posibilidades que ofrecía musicalmente nuestras fiestas. Lo que depositaron en el papel pautado no sólo eran notas fácilmente descifrables, sino mensaje revelador de la profundidad humana del pueblo alcoyano. Ellos y la Asociación de San Jorge son quienes han hecho posible el brillante florecimiento de nuestras fiestas. Hagamos nosotros, modestos músicos, para que la antorcha no se apague, sirviéndola con el lenguaje de nuestro tiempo, no con músicas estereotipadas, sino salidas de nuestra complejidad humana más radical y sincera, y la Asociación de San Jorge, con su proverbial celo, que estimule la producción de auténticas partituras, con categoría de arte, para unas fiestas de moros y cristianos cada vez mejores y más universales. la música puede abrir el camino.
Pablo Martínez.Talcomanunciàvemfaunsdies, s’inicia unanovasèrie queambel títol de «Una dècada senseBlanquer«, esfaràun completrepàs a la sevavidai obraambla recopilació d’unasèrie de textosiarticlesperiodísticsnoinèdits, algunsd’ells signatspergrans de la músicaalcoiana. Aquesta primeraentregavesignadapel compositormurerJosé RafaelPascualVilaplanaen un articleescritper a la Revistade Festesd’Eldade 2006 i queapareixen la seva pròpiaweb. Des d’aquí,li agraeixo la sevagenerositatperautoritzar-nos arecuperar el textíntegramenti havervolgutactualitzar-lo personalment enalgunsparàgrafs.
Introducción
Amando Blanquer y José Rafael Pascual Vilaplana
Es difícil decir adiós a quien estimas. Es más, creo que no lo consigues nunca. Han pasado ya unos meses desde que Amando Blanquer se nos fue, en silencio, con la discreción y la clase que toda su vida le han caracterizado. El vacío de este gran músico se eclipsa sólo con el hueco que deja este gran hombre. Él no hubiese querido nunca ninguna elegía. Su mayor anhelo era comunicarse con los demás a través de su música. En ella encontraba una vía de expresión contundente y rotunda que contrastaba con su carácter afable y cordial. Amando era de aquellas personas que solo con una mirada cautivaban la atención de quienes le escuchaban. Una voz débil, tierna, con la sonrisa siempre en los labios, todo humanidad, todo sinceridad. Cuantas veces le he visto encima de un escenario recibiendo aplausos, y él, sin conseguirlo, intentando hacer callar al público entusiasta con sus menudas manos. Pero no se puede acallar la alegría. La música de Blanquer sabía hacer brotar sentimientos muy especiales, no por ser fácil (en absoluto), sino por haber sido concebida con un esforzado y sincero trabajo que buscaba estar al lado de la humanidad. El hombre era el destinatario sublime de su música y por ello era necesario trabajar con sumo cuidado y respeto el oficio de compositor. Primero la técnica y después la formación intelectual. De poco sirve dominar todos los procesos técnicos de expresión musical si finalmente no tienes nada que decir. Esta era la base creativa de Blanquer. Dignidad y trabajo. “La composición es como una espiral. Tu entras en ella por donde quieres, pero es ella la que te arrastra si sabes seguirla…».
Apuntes Biográficos
Fernando de Mora y Amando Blanquer en 1959 (Foto cedida por Rafael Serra)
En 2005 celebrábamos el 70 Aniversario del nacimiento de uno de los más grandes compositores y creadores musicales que han dado estas tierras al mundo. El maestro alcoyano Amando Blanquer Ponsoda desde muy joven supo encaminar su vida hacia al cultivo de aquello que, junto con su familia, era lo que más amaba: la música.
Desde la Banda Primitiva de Alcoi, con la trompa y las clases del su admirado maestro D. Fernando de Mora, muy pronto inició su formación musical como compositor en Valencia con Leopoldo Magenti, Manuel Palau y Miguel Asins Arbó. En la década de los 50 obtiene una beca para estudiar composición en Paris, primero con Daniel Lesur y
después con su idolatrado maestro, el prestigioso compositor Oliver Messiaen, una de las figuras clave para entender la música del siglo XX. En 1962 gana el Premio Roma de composición, el más alto reconocimiento europeo para la creación musical, lo cual le permite seguir sus estudios en la Academia Santa Cecilia de Roma con Goffredo Petrassi. Esta vasta formación le lleva a conseguir la Cátedra de Composición del Conservatorio Superior de Valencia en 1969 y comienza así una labor pedagógica y de creación muy relevante. Obtiene diferentes premios de composición, entre ellos el Accésit al Premio Nacional de Música con Sinfonietta (1959), el Premio “Maestro Villa” de Madrid con el Concierto para Banda (1971), Premio Unicef por Sinfonía Coral (1981), Premio Joaquín Turina de Sevilla por Invenciones para orquesta (1984) así como el Premio del Ayuntamiento de Alcoi por diferentes obres de Música para la Fiesta de Moros y Cristianos: Musical Apolo, L’Ambaixador. En su catálogo, superior a unas trescientas obras, encontramos música sinfónica, de cámara, coral, para solistas (especialmente las obras de trompa, su primer instrumento). Destaca en su producción la creación de la primera marcha cristiana titulada Aleluya (1958), la cual abre un nuevo camino a la música para la Fiesta de Moros y Cristianos (“Yo no inventé nada. La marcha cristiana estaba en el ambiente, solo tenía que acogerla…”). Y como no, la Missa a Sant Jordi (1982), todo un cántico de liturgia festera y todo un trabajo de maestría compositiva. Pero, tal vez, la obra que más lo marcó fue la creación de su única ópera, El triomf del Tirant, escrita en 1991 y estrenada en Valencia en 1992, con libreto de los hermanos Josep Lluís y Rodolf Sirera. “En esta ópera he dejado muchas horas, he dejado mucha salud, he dejado mucha vida…”, solía comentar el maestro. Fue miembro de las Academias de Bellas Artes de Madrid y Valencia, así como de la Academia Valenciana de la Música. En 2003 el presidente de la Generalitat Valenciana le concedió la Alta Distinción al Mérito Cultural.
Clase en París de Olivier Messiaen. Blanquer, de pie, a la izquierda
La obra de Blanquer dentro de la historia de la música española del siglo XX ha sido calificada de forma poco uniforme según la crítica especializada, debido al carácter independiente (afortunadamente independiente, para mí) del maestro, quien ha estado por encima de “istmos” y ha buscado siempre una fidelidad a sí mismo. La sinceridad y el compromiso como las vías de expresión más idóneas. Pero si hay una singularidad que cualquiera le reconoce como incuestionable es su preparación técnica. Quizás estamos delante de uno de los compositores españoles más cualificados y expertos en todas las tendencias musicales del siglo XX. Un oficio depurado y desarrollado con un gran esfuerzo tanto personal como profesional que no ha sido reconocido como debiera por la historia de la música española. Sólo comentaré a título anecdótico que cuando alguna orquesta o grupo instrumental interpretaba música de Blanquer en Madrid, siempre podías ver entre el público a eminentes nombres de la música española (que sólo salen de casa en contadas ocasiones), tal vez más famosos que Blanquer, pero conocedores del oficio del maestro alcoyano del cual convenía empaparse y aprender, aunque fuese de vez en cuando (sin embargo y curiosamente algunos de ellos calificaban a Blanquer de “regionalista”). “En mi música hablo igual como artesano, como artista y como hombre…”, decía Blanquer. En los comentarios que el maestro hace sobre su obra Invenciones para orquesta resalta: “…Lo importante de esta obra es la sinceridad. Hay en ella una cierta dosis de didactismo, la ética ante la estética, el verbo ante el verbalismo, pero también hay un empeño en acercar al hombre a las concepciones pluralistas de la música de nuestro tiempo”. Toda una declaración de intenciones.
Catálogo de la obra bandística Dentro de su currículum de creación musical, la música de banda ha ocupado un lugar muy importante. Como él decía: “Cada idea musical nace del elemento que la origina, bien sea una orquesta, una banda, un oboe, una guitarra…”. En su libro Análisis de la Forma Musical (Ed. Piles, Valencia 1989) habla de la importancia fundamental que tiene la tímbrica en la creación musical. Y con la de la banda, Blanquer supo desarrollar un estilo propio, original y necesario para entender la evolución del género compositivo para orquesta de vientos, no solo en nuestro país sino también en Europa. Es curioso, al menos, observar cómo su Concierto para banda, que he mencionado anteriormente, es obra de estudio en conservatorios holandeses donde existe la especialidad de Dirección de Banda. Sus dos libros teóricos: Análisis de la Forma Musical y Técnica del Contrapunto (Ed. Real Musical, Madrid 1974) se han convertido en dos volúmenes de consulta imprescindibles en la biblioteca de cualquier estudiante de música. También desde el extranjero, y más concretamente desde los Estados Unidos han mostrado su interés por la obra pedagógica del maestro y una Universidad de aquel país ha solicitado los derechos para su traducción al inglés. Habitualmente se interpreta la música de banda del maestro en festivales de Holanda, Alemania, Suiza, Noruega, Estados Unidos o Japón. Esta universalidad de la obra blanqueriana le convierte en un autor absolutamente imprescindible para entender parte de la música originada en nuestro país durante el siglo XX. Quisiera en este modesto artículo hacer referencia especial al catálogo de obras originales para banda que hemos heredado de esta figura musical alcoyana con comentarios generales de las mismas, sin profundizar en aspectos más técnicos que serían objeto de otro tipo de trabajo.
1. Música para la Fiesta de Moros y Cristianos PASODOBLES
– EL PETIT ADOLFÍN BERNABEU (Pasodoble, Alcoi 1953)
Dedicado al niño Sant Jordiet de Alcoi, Adolfo Bernabeu.
– RUMBO ALEGRE (Pasodoble, Alcoi 1953)
– JULIO PASTOR (Pasodoble, 1954)
Dedicado al alcoyano Julio Pastor. El maestro Blanquer trabajaba en la oficina de este prestigioso empresario textil. Cuando consiguió el acceso al Conservatorio de Valencia, Julio Pastor le permitió ir a estudiar a la capital mientras continuó entregándole todos los meses su sueldo tan necesario en aquellos tiempos tan difíciles. En esta obra se vislumbran los primeros rasgos de una marcha cristiana, pues aunque comienza como un pasodoble tradicional, la última parte del mismo es todo un canto épico y coral muy próximo a su posterior obra Aleluya.
– ESCULTURA (Pasodoble, Valencia 1954)
Dedicado a José Vos.
– MUSICAL APOLO (Pasodoble, Valencia 1956)
Premio del Concurso del Ayuntamiento de Alcoi y dedicado a su banda, el Círculo Musical Apolo, Banda Primitiva de Alcoi.
– MARÍA ROSA (Pasodoble, Valencia 1958)
Dedicado a su esposa, Mª Rosa Cots Alberola.
– ASÍ DESFILAN (Pasodoble, Valencia 1962)
– EL CAPITÀ I ELS CAVALLERS (Pasodoble, Valencia 1982)
Dedicado a Jorge Ponsoda.
– LA ROMANA (Pasodoble, 1990)
Dedicado a la Banda de esta localidad alicantina.
– MUJER ALCOYANA (Pasodoble, 2002)
Dedicado a todas las mujeres alcoyanas, como cumplimiento de una promesa que el maestro hizo pública durante la comida oficial del Homenaje que la ciudad Alcoi le tributó en 2001.
Blanquer con La Primitiva de Llíria interpreta «L’Ambaixador» acompañando a la LLana en la Entrada de 1959 (Foto cedida por José María Valls)
MARCHAS MORAS
– ABENCERRAJES (TARDE DE ABRIL) (Marcha Mora, Valencia 1957; 2ª versión 1999). Esta marcha fue presentada al Concurso de Composición del Ayuntamiento de Alcoi, pero debido a su extraordinaria factura y orquestación, el jurado decidió que no era adecuada para la fiesta. Está dedicada a la Filà Abencerrajes de Alcoi, entidad que pertenece al igual que la Banda Primitiva, a la Sociedad Apolo. De esta marcha el maestro hizo también una versión para orquesta sinfónica, la cual fue estrenada por la Orquestra Municipal de Valencia el día 19 de enero de 1958 en el Teatro Principal de la capital del Turia, dirigida por el maestro José Ferriz.
Este prestigioso director valenciano, repitió el estreno de esta marcha mora para orquesta unos años más tarde con la Orquesta Sinfónica de El Cairo (Egipto), formación de la que fue director titular.
– L’AMBAIXADOR (Marcha Mora, Llíria 1958)
Premio del Concurso del Ayuntamiento de Alcoi. Posiblemente una de las partituras festeras más completas que jamás se hayan escrito. Todo un monumento a la creación musical.
– MASCARADA FESTERA (Marxa Mora, Valencia 1958)
– ANY D’ALFEREÇ (Marcha Mora, Valencia 1967)
Dedicada a la Filà Abencerrajes de Alcoi, en el año de su Alferecía Mora.
– MARXA DEL CENTENARI (Marcha Mora, València 1982)
En 1982, coincidiendo con el Centenario de la composición del pasodoble Mahomet del compositor alcoyano Juan Cantó Francés, se celebró en Alcoi el I Centenario de la Música Festera Alcoyana (1882-1982) al cual va dedicado esta marcha.
– ELDA (Marxa Mora, Valencia 1986)
Dedicada a esta ciudad alicantina. Fue obra obligada del Primer Certamen de Bandas de esta localidad, uno de los concursos más veteranos y sólidos destinado a premiar la interpretación de la Música para la Fiesta de Moros y Cristianos. En esta partitura y en palabras del compositor José Nieto: “Aquí hay hedonismo por los cuatro costados; pura desnudez…”
– EL SOMNI (Marxa Mora, València1989; 2ª Versió 1995)
Dedicada a Enrique Luis Sanus Abad, quien fue presidente de la Associació Sant Jordi de Alcoi. Esta marcha también cuenta con una versión para orquesta sinfónica.
– MOMENT DE FESTA (Marxa Mora, 2000)
Dedicada al cardiólogo alcoyano que atendió al maestro Blanquer durante un período muy complicado de salud, D. Rafael Payá.
– PACO VERDÚ (Marxa Mora, 2002)
Dedicada al Capitán Moro de Alcoi del 2002 por la Filà Miqueros, Francisco Verdú.
– LA TORRE ES MORA (Marxa Mora, 2005)
Dedicada a la Asociación de Moros y Cristianos de Torrent (Valencia)
MARCHAS CRISTIANAS
– ALELUYA (Marcha Cristiana, Llíria 1958)
Dedicada a la Filà Vascos de Alcoi. Esta obra está considerada como la primera marcha cristiana de la historia de los Moros y Cristianos.
– SALMO (Marcha Cristiana, Valencia 1962)
Dedicada al historiador alcoyano, Adrián Espí Valdés.
– TINO HERRERA (Marcha Cristiana, Valencia 1995)
Dedicada este festero de la Filà Cides de Alcoi.
– ÁGUILES I CADENES (Marcha Cristiana, 2004)
Dedicada al Capitán Cristiano de Alcoi 2004 por la Filà Navarros, Jordi Espí, hijo de su amigo Adrián Espí, al cual dedicó la marcha cristiana Salmo.
– LA TORRE ES CRISTIANA (Marcha Cristiana, 2005)
Dedicada a la Asociación de Moros y Cristianos de Torrent (Valencia)
2. Diferentes marchas
– ALCOY LLORA (Marcha Fúnebre, Alcoi 1954)
Dedicada a les víctimas del accidente del autobús Alcoi- Valencia acaecido aquel año.
– MARCHA HOMENAJE (Marcha, Valencia 1968)
Dedicada a la Associació de Sant Jordi de Alcoi
– LES NOCES DE LLIBERTAT (Marcha nupcial, Valencia 1990)
Escrita en conmemoración del “casamiento” entre la estatua de la Libertad de Nueva York y la estatua de Cristóbal Colón de Barcelona. Esta marcha debía estrenarla la Banda Primitiva de Llíria en la ciudad de los rascacielos, pero finalmente y por problemas de financiación se suspendió el viaje.
– LLEO I REMI (Marcha Festera, 1992)
Obra de carácter aleatorio dedicada a dos festeros alcoyanos; música desenfadada e irónica, con doble mensaje en el autor de referencia en la Música para la fiesta de Moros y Cristianos.
3. Obras sinfónicas
– HOJA DE ÁLBUM (Valencia, 1957)
Hay versión para orquesta sinfónica del año 1985.
– MARCHA ABSTRACTA (Marcha de concierto, Valencia 1958)
– TRES DANSES VALENCIANES (Valencia, 1964)
1. Dansa característica, 2. Ball de velles, 3. Jota
Dedicada a sus padres, cuenta con una versión para orquesta la cual fue galardonada con el Premio Juan Senent de la Caja de Ahorros de Valencia.
– CONCIERTO PARA BANDA (Valencia, 1970-71)
1. Allegro, 2. Lento, 3. Allegro
Premio Maestro Villa del Ayuntamiento de Madrid. Obra obligada del Concurso de Bandas del Festival WMC de Kerkrade en 1981. Esta partitura es posiblemente una de las obras bandísticas más importantes que se han creado durante el siglo XX, reconocida en diccionarios y catálogos de todo el mundo.
– TRÍPTIC PER A BANDA (Valencia, 1979)
1. Preludi, 2. Coral, 3. Toccata
Esta es la versión bandística de la obra Tres salmos sin palabras para órgano, dedicada a Pedro Sosa. En el estreno de esta versión el conocido director de banda Hernández Guirado escribió en el programa de mano: “El maestro Blanquer es una verdadera excepción de las que Dios y la naturaleza nos suelen regalar de tarde en tarde como una justificación de la creación”. Cuenta con versión para orquesta sinfónica con el título Tríptic orquestral, estrenada por la Orquesta de Valencia en 1985.
Gregorio Casasempere y Amando Blanquer en el concierto con el que La Primitiva iniciaba sus festejos por el 175 aniversario, el 19 de marzo de 2005, en el que la banda interpretó «Entornos»
– INVENCIONES PARA BANDA (València, 1982-83)
1. Canónica, 2. Heráldica, 3. Elegíaca, 4. Giocosa, 5. Festiva
Versión del original para orquesta sinfónica con el título Invenciones para orquesta, dedicada al maestro Enrique García Asensio y galardonada con el Premio Joaquín Turina del Ayuntamiento de Sevilla en 1984. Esta partitura es quizás una de las obras blanquerianas más interpretadas por diferentes orquestas de todo el mundo, y la que más comentarios despertó en la crítica especializada de la época.
– IRIDISCÈNCIES SIMFÒNIQUES (Valencia, 1985)
1. Hoqueto, 2. Intermedio, 3. Ricercar
Encargo de la Conselleria de Cultura, Educació i Ciència para celebrar el I Centenario del Certamen Internacional de Bandas de Música de Valencia, del cual fue obra obligada de la Sección de Honor en 1986. Dedicada a la esposa del autor, Mª Rosa Cots Alberola.
– RITUALS I DANSES D’ALGEMESÍ (Valencia, 1987)
1. Obertura, 2. Canzona, 3. Tema i variacions (Tema-passeig, L’alta, La Font i
L’Enterro), 4. Final.
Obra encargo del Ayuntamiento de Algemesí (Valencia). En esta localidad, Blanquer trabajó durante muchos años como director de su Banda de Música.
Existe versión para orquesta sinfónica estrenada por la Orquesta de Valencia en 1987.
– GLOSES II (Valencia, 1989)
1. Moderato, 2. Mosso, 3. Moderato, 4. Mosso, con certa vivacitá, 5. Allegro jubiloso.
Obra encargo del Festliche Musik Tage de Uster (Suïssa). Obra obligada del Certamen Internacional de Bandes de Música de Valencia en 1991. Esta obra responde a la trilogía del autor con partituras como: Gloses para órgano (Valencia, 1987) y Glosses III para orquesta sinfónica (Valencia, 1990). La glosa era una de las maneras de generar variaciones melódicas en el barroco valenciano, muy utilizada por el organista de Algemesí Joan Baptiste Cabanilles (1644-1712)
– CALEIDOSCOPIO (Música para banda, Valencia, 1995)
Obra encargo del Internationale Festliche Musiktage de Uster (Suiza). En esta obra la banda se convierte en todo un alegato de color, un juego tímbrico constante más propio de un wind ensemble que no de una banda sinfónica, alegoría de un caleidoscopio colorista lleno de sorprendentes contrastes. Todo un ejemplo de originalidad, contemporaneidad y compromiso evolutivo del maestro.
– MÚSICA PER A UN CENTENARI (Valencia, 1997)
1. Preludi jocós, 2. Madrigal galant 3. Jocs sonors.
Obra encargo de la Banda Unió Musical de Aldaia para conmemorar el centenario de su fundación. El maestro Blanquer fue director de esta banda cuando contaba tan solo con dieciocho años de edad.
«Caleidoscopio» fue estrenada en España el 25 de mayo de 2014 por la Orquestra de Vents Filharmonia dirigida por el propio Pascual Vilaplana en Muro
– ENTORNOS (Sinfonía para vientos, Valencia 1997)
1.Allegro grazioso, 2. Lento 3. Fanfarria. Coral
Esta es tal vez una de les partituras fundamentales en la evolución de la escritura bandística de Blanquer. El título hace referencia a Entornos: sinfonía de las montañas de Alcoy, unos versos que el musicólogo y poeta alcoyano, Adrián Miró escribe para acompañar las ilustraciones de Luis Solbes en el libro Alcoy: ciudad y paisaje (Ed. Gráficas Bormac, Alcoi 1992). La obra va dedicada al mencionado poeta y ensayista Miró, quien además es uno de los amigos más próximos a Blanquer así como su biógrafo. Esta partitura fue un encargo de la Diputación de Alicante para ser de obligada interpretación en el Certamen Provincial de Bandas. El año 2000 fue designada también obra obligada del Certamen Internacional de Valencia y en la actualidad está publicada por la prestigiosa editorial holandesa para música de banda, Moolenar.
– CANTATA VALENCIANA DE L’ÀNIMA DEL COR (Cantata para Coro y Banda, Valencia, 2003) Textos de Xavier Casp.
Obra encargo del Ayuntamiento de Valencia para conmemorar el I Centenario de la creación de la Banda Municipal de Valencia. Fue estrenada por el Cor de la Generalitat Valenciana y la Banda Municipal de Valencia, en el Palau de la Música de esta ciudad, y dirigida por el maestro Pablo Sánchez Torrella.
La dignificación de la banda ha estado una tarea que ha preocupado siempre a Blanquer. El había salido de una banda, La Primitiva de Alcoi. La formación adquirida allí le ha marcado toda su vida. Esa fidelidad al lugar donde abrió sus ojos por primera vez le supo poner los pies en el suelo y le permitió desarrollar su profesión con una personalidad arrolladora. No se puede olvidar de donde vienes para emprender nuevos caminos. El mundo de la banda le ha de estar siempre agradecido al maestro, por haber dedicado parte de la su valiosa existencia a estas formaciones instrumentales. La música bandística de Amando se percibe como original y única, condensando conceptos populares (o climáticos como le gustaba calificarlos) con la contemporaneidad más fiel.
A modo de epílogo
Todo comenzó con una carta. Nuestro amigo común Carlos Palacio (Alcoi, 1911 – París, 1997) siempre me hablaba de Amando en sus epístolas. “Tienes que conocer a Blanquer”, me decía Carlos. Desde Paris este prestigioso compositor y escritor alcoyano le enviaba cartas al maestro Blanquer, en las cuales Amando me dijo años más tarde que le hablaba de mí. Un día de mayo de 1997, mi amigo de Bocairent Vicent Enguix me acompañó a casa del maestro Blanquer. Habíamos grabado un CD con la Banda de Xixona titulado Música i Festa donde incluimos las marchas moras Elda y El somni. Iba a llevarle el CD y a conocerlo personalmente. Traía conmigo sus libros de análisis y contrapunto así como la partitura de la Marxa del Centenari con el propósito de que me firmara aquellos materiales. El maestro no sólo lo hizo sino que me trató como si me conociese de toda la vida. Hablamos del disco, de su música, de Carlos Palacio. Cuando le comentaba lo importante que fue para mí su amistad, Blanquer me dijo: “Carlos representa el hombre que todos alguna vez hemos querido ser…”. Fue también en Bocairent donde unos meses más tarde, el maestro vino de jurado al concurso de composición. Y en la Plaza de Toros bocairentina (cuantos recuerdos en ese lugar tan peculiar) dirigí delante de él El somni. Yo estaba bastante nervioso pero contaba con la complicidad de un grupo muy especial: la banda de la Associació Unió Musical de Bocairent. Cuando acabada la obra hice levantar al maestro, él se acercó al escenario. Bajé hacia él y me dio un fuerte abrazo muy emocionado. En aquel momento yo estaba en una nube. Era el abrazo más importante que me habían dado nunca. Aquella noche recuerdo que no paraba de contarlo a mi familia. Desde entonces empezamos una amistad que ha sido fundamental en mi evolución como músico y como hombre.
Blanquer en la última etapa de su vida
Escribir sobre el maestro Blanquer es para mí una tarea un tanto complicada. No sé cómo dimensionar el equilibrio entre uno de los más grandes creadores que han dado estas tierras y una de les personas más especiales que he tenido el placer de conocer y de tenerlo como amigo. Con Blanquer hablaba de todo un poco: de música, de la profesión de músico, de la vida… Hemos compartido diversos conciertos juntos (Bocairent, Xixona, Muro, Tenerife, Holanda…) Alguna que otra hora de avión y aeropuertos, alguna que otra sobremesa entre sus amables anécdotas, tan irónicas, de las cuales emanaba una sabiduría muy particular. Cada frase del maestro era como una lección involuntaria. Cuando estaba con él o me hablaba por teléfono (largas conversaciones casi todos los domingos por la mañana) tenía la sensación de que no podía asimilar todo lo que me decía. Siempre preocupado por mi familia, correcto y educado hasta tratar de usted a todo el mundo. Cuando le pedías que te tuteara, él respondía: “Mire… no se enfade, pero es que mi madre me educó así y no puedo hacerlo de otra manera…”. Los suyos, su sitio y su tierra eran una constante en la conversación.
Recuerdo un momento mágico cuando en Muro, dentro de la conferencia inaugural que pronunció en el FIMBAND (Festival Internacional de Música de Banda), después de hablarnos de cuan importante era para él ver que la gente se emocionaba con su música, un nudo en la garganta le impidió seguir. Me cogió la mano y dos lágrimas brotaron por aquellos ojos tan sinceros, tan humanos, mientras el público estalló en un largo aplauso.
Muchas son las anécdotas y comentarios que podrían alargar este texto pero me permitirán reservarlas como un íntimo recuerdo (casi devoción) del maestro. Tardaremos en llenar su vacío, tal vez no lo hagamos nunca.
Estimado Amando: estoy escuchando ahora tu Berceuse para piano interpretada por ese ángel que acaricia las teclas, nuestra amiga Marisa Blanes, mientras mi hijo (por el cual siempre te preocupabas) escucha inocente con la ternura en sus ojos. Un día podrá leer la carta que le enviaste cuando nació y entonces le hablaré de ti. Para él, para nosotros y para muchas otras generaciones, siempre serás un ejemplo a seguir. Has amado profundamente lo que has hecho y con quién lo has hecho. Has sabido vencer la batalla de la vida con las mejores armas: tus notas y tus palabras. Y has salido victorioso. No se puede llenar mejor una vida que con la generosidad, la fidelidad a uno mismo y con el amor. Qué solos nos dejas, Amando…!
José Rafael PASCUAL-VILAPLANA
Santa Maria da Feira (Portugal), 6 d’octubre de 2005
Bilbao, 19 de junio de 2015
APUNTES BIBLIOGRÁFICOS – BLANES, Mª Luisa (2005) La obra pianística de Amando Blanquer Ed. UPV, Valencia – BLANQUER, Amando (1989) Análisis de la Forma Musical Ed. Piles, Valencia – BLANQUER, Amando (1988) “Del diario íntimo” en Primer Encuentro sobre composición musical. Valencia 1988. Textos y ponencias. Ed. Publicaciones del Área de Música del IVAECM, Valencia. – BLANQUER, Amando (1974) Técnica del contrapunto Ed. Real Musical, Madrid – MIRÓ, Adrián (1984) Amando Blanquer en su vida y en su música. Ed. Caja de Ahorros de Alicante y Murcia, Alcoi – MIRÓ, Adrián (2001) Amando Blanquer en su vida y en su música (II Parte). Ed. Caja de Ahorros del Mediterráneo, Alcoi.
– RUVIRA, Josep (1987) Compositores contemporáneos valencianos Ed. Institut Alfons el Magnànim, Valencia – S.G.A.E. Catálogos de compositores españoles. AMANDO BLANQUER Ed. S.G.A.E., Madrid – VALOR, Ernesto (1988) Diccionario alcoyano de música y músicos Ed. Llorens Libros, Alcoi.
En substitució delcicle Deconstruint«Uzúl el-msélmin» que,amb gairebé 1.700visitesentre tots els seuscapítolsavalen l’èxit d’aquesta proposta, emprendremmoltaviat un altrecicleen homenatge aAmandoBlanquer Ponsodaen el desèaniversari de la sevamort, que es compleix el 7 de juliol. Unaselecciód’articlesperiodísticspublicats al llargde la seva vidaialtresinèditsper a aquestanova sèrieconformaran un apassionant retrat del compositor, possiblement, més admirat i respectat pels seus paisans i el músic alcoià més venerat internacionalment.
L’actual director de la Corporación Musical Primitiva d’Alcoi i de la Societat Musical La Pau de Beneixama, és titulat superior en Direcció d’Orquestra i Musicologia, cursant estudis al Conservatori Superior d’Aragó. Des de finals dels 80 compon, enregistra i dirigeix música per a teatre, dansa o cinema. La seua música de caràcter simfònic s’ha estrenat i interpretat arreu del món, com ara a Mèxic, Taiwan, França, Alemanya o els EUA, entre d’altres països. La seua composició teatral Veles e vents va estar un encàrrec per als actes de cloenda de la inauguració del túnel de Calais sota el Canal de la Mancha. Ha escrit nombrosos articles de tipus musicològic, sent els seus darrers treballs publicats La música de Nadal a Alcoi, A Prespective on Enrique Calvist (1851-1897) o el seu treball com a editor en Carlos Palacio: vivencia y pervivencia. De entre les seues obres de temàtica festera podem citar El guerrer, Capità de capitans, Tempora Belli, Ishtar i Cruïlla de cors. www.angellluisferrando.com
UZÚL EL- MSÉLMIN (L’ENTRÀ DELS MOROS): LA DECONSTRUCCIÓ D’UN MITE
Àngel Lluís Ferrando Morales (Alcoi, 1965)
Si tenim en compte que la deconstrucció «és un mètode d’anàlisi crítica d’un text, d’un concepte o d’una construcció intel·lectual, que permet de desfer-ne l’estructura tot mostrant les seves contradiccions i ambigüitats», com assenyala el diccionari, podem assegurar que el títol genèric d’aquest conjunt de pensaments i reflexions que han anat sortint sota aquest epígraf al llarg dels darrers mesos és, sens dubte, ben adient. Per aquesta raó, en primer lloc, la meua més sincera felicitació a Pablo Martínez, creador i impulsor de la sèrie, per la seua suggeridora tasca. Una tasca que, com ell mateix em va confessar, ha estat complexa i no exempta d’entrebancs, la qual cosa és més que natural en una matèria tant relliscosa com aquesta.
El concepte de deconstrucció ha arribat, des de l’àmbit de la filosofia, a la crítica literària, les ciències socials, les arts i, fins i tot, al món de la cuina: es tracta de cuinar i emplatar de manera diferent, trencant amb un volum únic i separant els elements en altres formes, textures o temperatures, força diferents de les habituals. Tractarem, doncs, de fer honor a l’amable i generosa tasca que ens ha encomanat l’amic Pablo d’una banda i, d’altra, de no trair el significat del terme que encapçala la col·lecció de textos.
La soledat del mite esdevé sovint un objecte únic, sense continuïtat. Aquest és el cas que ens ocupa: una marxa mora de la qual és tan important esbrinar el que és realment com allò que hem volgut entre tots que siga amb el pas del temps. En primer lloc, cal dir que no és, evidentment, una marxa qualsevol. No es tracta d’una més de les moltes i valuoses aportacions que al llarg dels anys ha donat la nostra casa. Més aïna es tracta d’un producte extraordinari, fora del comú, exclusiu i excloent, on a més de la música en sentit estricte, hom ha projectat les seues vivències, les seues il·lusions, els seus anhels, les seues realitats… bones i dolentes. Si estem d’acord en que a vegades la realitat supera la ficció, aquest és un cas paradigmàtic.
Holmes sempre adverteix Watson que ha de tenir en compte els detalls diferenciadors que a vegades s’escapen en una primera ullada: són aquests els que donen realment les pistes més sucoses, les conclusions més atractives, les afirmacions més sorprenents i, al cap i a la fi, els que ens ajuden a fer-nos una idea particular d’un aspecte més general… com que sóc un admirador del detectiu de Conan Doyle… endavant Sherlock!
Camilo Pérez Monllor (Alcoi, 1877-Madrid, 1947)
Uzúl el-msélmin (L’entrà dels Moros) és una marxa mora signada el primer dia de maig de 1914 a San Fernando (Cadis). El regust de la família Pérez (especialment Evaristo) per titular les seues composicions amb la transcripció castellana dels mots àrabs no és cap novetat, com tampoc ho és tot el que aporta el moviment Alhambrista a la música pensada per a la festa dels Moros i Cristians del primer terç del segle XX. En aquest sentit, cal observar que per als compositors militars (el nostre cas i d’altres com ara Vicente Pérez Lledó, autor de la Marxa dels Pacos de Mutxamel) la referència més directa dels usos musicals d’arrel àrab amb el món occidental eren les terres del Protectorat marroquí que, a més, molts d’ells coneixien en primera persona. L’exotisme d’aquesta música, allò d’irresistible i suggeridor que transmet aquesta fusió de cultures, aquesta occidentalització de la melodia àrab és, en essència, l’element sonor primigeni que impregna aquesta composició. L’ofici de Camilo Pérez Monllor farà la resta i obrarà el miracle: la música és occidental però l’evocació i la font d’inspiració és muslim. Una composició vibrant, plena de matisos, singularíssima i, pel que hem vist després de cent anys, única i irrepetible.
És aquesta qualitat precisament, la que li atorga a la composició una personalitat molt marcada que no passa desapercebuda per a ningú. No obstant això, coneixem molt poc dels seus primers anys d’existència i de la seua recepció real dins el món de la festa però, malgrat tot, l’ideari i l’imaginari col·lectius s’han aliat tradicionalment en aquest sentit i ha anat forjant-se el mite: la llegenda s’apodera de la peça progressivament fins a l’actualitat. La composició, com el mateix Holmes, ja no és de l’autor, és del públic, de la societat, de tots. Des d’aquell moment hom parla de converses, entrevistes, comentaris, actituds, valoracions, intencions, inquietuds… subjectivitats al cap i a la fi, que a més fan ús de la transmissió oral com a vehicle de difusió. Potser per deformació professional, per a qui escriu aquestes paraules (demane disculpes de bestreta), si volem acostar-nos el més objectivament possible a la composició, les seues peculiaritats i els seus trets diferenciadors (els “detalls” de Holmes), les fonts documentals són les úniques que hem de tenir en consideració a hores d’ara. Si, a més, tenim la sort de conservar el manuscrit autògraf de l’autor i alguns documents musicals més al nostre arxiu (ni més ni menys!), basar la nostra aportació en altres elements menys objectius seria, si més no, qüestionable.
Rafa Miró, Mario Silvestre, Antonio Calvo i Gregorio Casasempere a l’Entrà dels Moros de 1980 (Foto: Paco Grau. Llibre «Un blanc i negre ple de colors»)
Centrant-nos plenament en la partitura, el primer que sobta és la gran quantitat de transcripcions i transformacions que ha sofert el propi títol de la composició en les diferents citacions, la qual cosa ha portat la composició, amb tota seguretat, a ser coneguda i referenciada gairebé sempre per la traducció valenciana que fa constar el compositor entre parèntesi en la portada. L’originalitat de la instrumentació, de la qual sí que s’ha parlat moltes vegades, radica bàsicament en l’exclusió dels clarinets per a incloure les dolçaines, així com en la gran quantitat de petita percussió (estructurada en parelles tímbriques que interpreten el mateix ritme: “Caja y Tamboril”, “Redoblantes y Panderetas”, “Bombo y Panderos” i finalment “Platillos”). Tradicionalment els clarinetistes de la plantilla es feien càrrec de les dolçaines i la petita percussió. La polirítmia de gran riquesa que estableix l’autor és marca d’identitat de la composició i esdevé un material, gairebé temàtic, que sustenta tot l’edifici harmònic i melòdic, de caràcter marcadament obstinat.
Aquesta conversió de la plantilla habitual de la banda, de gran originalitat per a l’època, ve acompanyada, però, d’altres modificacions de més difícil explicació alguns anys després. El primer és el canvi, un to baix, de la tonalitat original, que obligava també al canvi de les dolçaines (de dolçaines en sol a dolçaines en fa) i que no aporta gairebé cap millora o facilitat substancial, al menys que no es tracte d’alguna particularitat de la banda en aquell moment concret (els anys 40) que desconeixem a hores d’ara. La segona de les intervencions, de la qual també se’n ha parlat, és la instrumentació dels elements rítmics inicials, la percussió en entrades canòniques, amb el concurs dels bombardins, saxos tenors i baixos, el que comportava, tot plegat, una instrumentació diferent a la original on, ara sí, els clarinets feien el facultatiu acte de presència. La segona de les partitures manuscrites que es conserva a l’arxiu de la Corporació Musical Primitiva presenta aquestes alteracions i ens arriba de la mà del director de la banda des dels anys de la postguerra, Fernando de Mora. Amb l’ajut, el beneplàcit o la intervenció directa de Camilo Pérez Monllor, no ho sabem, la marxa presentava una nova fisonomia que tampoc sabem si es va dur al carrer definitivament, però que ens mostra una voluntat de renovació, no exempta de por i d’incertesa generada pels “atreviments” d’unes partitures que podien fer perillar la seua interpretació als actes de festa, per tal de garantir la pervivència d’aquesta música (i d’altres semblants) en el nou horitzó que s’obria per a la festa en els anys posteriors a la Guerra.
Aquesta, no obstant, va estar una pràctica més habitual del recomanable per part de la direcció artística de la Primitiva, sovint recolzada per músics i socis. Sempre partint de l’admiració profunda per aquesta música tan “nostra” i els seus creadors, no podia deixar-la en el calaix sense més, però, en contrapartida, el seu vestit havia de canviar per adequar-la als nous moments: canvis instrumentals, noves instrumentacions més “a la moda”, simplificació de les diferents polirítmies, disminució de la velocitat establerta per l’autor i/o predeterminada (amb els consegüents talls i supressions per mantenir la coherència del discurs musical) o, com en aquest cas concret, una barreja d’intervencions de les quals, com el canvi de tonalitat, la presència dels clarinets o els timbals encara es mantenen per raons de funcionalitat en el carrer. Per posar alguns exemples concrets, coneguts per tothom, podem recordar ací casos en els quals l’estructura de la música es veu notablement alterada, com ara en La canción del harén de Camilo Pérez Laporta (disminució substancial de la velocitat i supressió de compassos que resultaven superflus després d’aquesta intervenció), Genna al Ariff d’Evaristo Pérez Monllor (supressió de repeticions amb música diferent per a la primera i segona vegada, a més de compassos i fragments breus que “sobraven” en aquesta nova lectura de la música) o que s’aprecia encara més clarament en el cas d’ Abencerrajes y Cegríes de Gonzalo Blanes Colomer, amb la supressió de varies seccions completes per tal d’“alleugerir” i potenciar l’aspecte funcional d’una de les composicions amb major densitat que ha donat la música festera. Hem arribat a convertir, fins i tot, un pasdoble en una marxa de processó, sense talls ni supressions, però amb el consegüent debilitament del discurs musical. Paradoxalment, la música més estimada, la més valuosa dins d’aquest corpus de composicions magistrals, és la que més intervencions rep per aquest afany de preservació, de pervivència.
La darrera Entrà dels Moros amb la Magenta (2015) (Foto: Dulce Santonja)
Veritablement la factura era cara, però també és cert, que tot aquest corpus musical hagués quedat relegat segurament a l’oblit més absolut (també Uzúl el-msélmin) sense uns mínims imposats per la moda, al menys en la seua vesant més funcional. Podem dir allò de “renovar per no morir” però, amb danys col·laterals, com una mena d’antibiòtic que cura matant. Algunes d’aquelles transformacions i manipulacions van arribar fins i tot a l’enregistrament fonogràfic, amb tot el que té de problemàtic per a l’oient, el qual l’accepta com l’única fixació possible i una validació inalterable del model (a més de les composicions abans esmentades, el tempo de Mahomet de Juan Cantó Francés i la seua adscripció al fenomen fictici del “pasdoble sentat”, al menys en eixa època, va estar una de les víctimes més recordades d’una necessitat imperiosa de mostrar al món, a qualsevol preu, que érem el bressol de la música festera). Perquè hem d’afirmar rotundament que la funcionalitat de la música festera és essencial, bàsica, però alhora no pot ni deu trair el discurs de la música: podem i devem arribar a un pacte, però mai sacrificar el tempo interior de la música. En aquest sentit, qui escriu aquestes paraules ha de dir que en algun moment va estirar massa la corda en favor del tempo musical, fent perillar el “tempo” funcional. No obstant, tot i reconeixent l’error, el procés va mostrar la marxa molt prop de l’original indicat pel compositor (76 passes per minut), velocitat corroborada posteriorment per aquest autor i altres al llarg dels anys 40 i 50. No es tracta, per tant, d’un aspecte baladí. Camilo Pérez Monllor, en la seua partitura original, ho fa constar amb claredat (acompanyant al terme moderato) i, com hem dit, aquesta només presenta la indicació del canvi de tonalitat, res més, que necessàriament hauria de fer-se amb posterioritat a les primeres adaptacions per al carrer i amb anterioritat al primer enregistrament (1960).
Uzúl el-msélmin és, doncs, la marxa que hem fet entre tots: compositor, músics, directors, festers, socis i públic. Una marxa que van fer emblemàtica la Corporació Musical Primitiva i la filà que va nàixer de la mateixa banda i dels membres d’una societat que considerava l’art musical com el motiu principal de la seua existència. Una marxa que enguany ha començat un altre camí, potser més incert, on aquell segell d’exclusivitat que no tenia de manera explícita en cap partitura, però si de manera implícita cada vegada que s’interpretava, ha desaparegut. La música hi és, la banda també, la filà també, però el mite ja no hi és, perquè entre tots hem trencat el context que la feia única.
Música Primitiva Apolo d'Alcoi / Notícies 